EL NEOCLASICISMO.
En 1918 el poeta francés Jean Cocteau sacó a la luz un trabajo muy influyente en el que hablaba de la necesidad de un nuevo arte francés independiente.
De este modo la música debería alejarse de texturas ricas y buscar una “música de cada día”: sencilla en cuanto a su estructura, que pudiera escribirse en una partitura sencilla y aspirar a poseer la “lucidez de los niños”.
El primer ejemplo de este tipo de música lo caracteriza E. Satie, quien de ser un compositor sin importancia fue propuesto como modelo de artista.
La música de Satie se caracteriza como llena de vida, informal y alegre, con figuras melódicas repetitivas, humoristas en cuanto a que reclaman el sonido de una rueda, de una máquina de escribir o de un revólver. Su obra “Parade” define el nuevo espíritu musical. El drama sinfónico “Sócrates” de 1918 es considerada la mejor composición de Satie.
EL SISTEMA DODECAFÓNICO.
Schöenberg:
Cuando irrumpió la 1ª Guerra Mundial, Schöenberg se encontraba en un estado de incertidumbre compositiva. Su producción disminuyó a causa de la guerra, ya que fue llamado a filas.
Sin embargo, la crisis compositiva se debió a su escepticismo ante la música “intuitiva” que había compuesto hasta entonces, de métodos libres, atonal, nada sistemática… Por lo tanto se propuso establecer unos lazos más fuertes con el pasado. De alguna manera trató de ordenar las melodías disonantes y la armonía que había surgido en la música del siglo XX.
De este modo surge un sistema nuevo de tras siete años de trabajo(1916-1923): el dodecafonismo. Es una manera de controlar la libertad que su música tenía.
Los principios básicos de este método son los siguientes: cada compositor extrae su material melódico de una única secuencia escogida dentro de las doce notas de la escala cromática, lo que se denomina “serie”. A esta primera serie se añaden tres:
-Retrógrada: invierte la sucesión de notas e intervalos.
-Inversión: se invierte cada uno de los intervalos originales.
-Inversión retrógrada: se invierte la anterior(retrógrada).
Cualquiera de estas 4 series pueden transportarse para comenzar en otra nota. El transporte se indica de forma convencional por medio de números arábigos que siguen la designación de la serie, indicando el número de semitonos ascendentes que aparecen a partir de la forma original. Así, la designación P-O indica que se trata de la serie original; P-5 indica que la forma original está transportada una 4ª justa ascendentemente (o lo que es igual, 5 semitonos); R-1 señala que la forma retrógrada se transporta una 2ª menor ascendente. Las cuatro formas de la serie, multiplicadas por doce transportes posibles dan un total de 48 posibles versiones de la serie original. Normalmente no se utilizan todas las versiones en una misma pieza, sino que según el tipo de obra que se quiera componer se eligirán unas u otras.
Aunque la serie determina la sucesión de notas utilizadas en una obra, no señala ni sus registros, ni sus duraciones. Tampoco señala la disposición de la textura o de la forma de la música.
Este sistema dividió las ideas de los compositores en dos grupos:
Unos que, siguiendo a Stravinski, favorecieron la conservación de algún tipo de tonalidad y aquellos que, como Schöenberg, adoptaron el sistema dodecafónico.
Este nuevo método ejerció un fuerte impacto en el pensamiento musical de la época, a pesar de que pocos compositores lo adoptaron como forma de trabajo.
Schöenberg continuó evolucionando como compositor y durante su exilio en América (1934 en adelante) desarrolló un interés por la tonalidad y compuso algunas piezas tonales.
La importancia de Schöenberg en el desarrollo de la música del siglo XX sólo fue igualada por Stravinski. Sin Schöenberg el curso de la música contemporánea hubiera tomado un giro muy distinto.
España: Falla (1876 - 1946)
Durante el siglo XIX, la vida musical española estuvo dominada por la zarzuela, aunque ésto no impidió que en el siglo XX comenzara a desarrollarse otras formas musicales. La tendencia de un nacionalismo musical más cosmopolita, de mano de Álbeniz y Granados, tuvo su máximo exponente en el compositor más importante de la primera mitad del siglo XX español : Falla.
A través de obras tan importantes como El amor brujo, El sombrero de tres picos o el Retablo de maese Pedro, entre otras, Falla liberó al nacionalismo español de sus alusiones específicas y lo reconstituyó como un componente estructural y característico integrado dentro de un todo musical complejo y diferenciado.
Aunque su obra es muy limitada, debido a su delicada salud y su severidad crítica con su propia obra, Falla tuvo gran importancia para la música española de su tiempo y la posterior, comparable a la de Bartok en Hungría o Sibelius en Finlandia.
Inglaterra: Britten (1913 - 1976)
Fue uno de los compositores ingleses con más talento que surgió en la década de 1930.
Britten desarrolló su estilo muy pronto , caracterizado por un eclecticismo claro, con una técnica muy segura y expresiva. El estilo de cada composición parece estar realizado según las demandas de la obra en concreto.
Consiguió notables éxitos, sobre todo con la ópera, donde destacan títulos cono Peter Grimes (1945), La violación de Lucrecia (1946), La vuelta al tornillo (1954) y La muerte en Venecia (1974) entre otras muchas, si bien su obra más conocida es la llamada guía de orquesta para jóvenes.
América latina.
Al igual que en América, la música latinoamericana estuvo influenciada por la tradición cultural europea. Fue a finales del sigflo XIX cuando comienza a aparecer una música latinoamericana por sí misma. Casi todos los compositores latinoamericanos comenzaron como nacionalistas y poco a poco introdujeron en su música las influencias de la música europea.
Entre sus máximos representantes están Villalobos, Chávez y Ginastera.
INTRODUCCIÓN
El Jazz es una forma musical desarrollada hacia 1900 que tiene sus raices en el eclecticismo musical de los afroamericanos. Donde tienen influencia la musica de África Occidental (estilos vocales, la improvisación, las pautas de pregunta y respuesta, y la complejidad rítmica), las formas musicales de la comunidad negra del Nuevo Mundo (cantos que acompañaban el trabajo, las nanas y, aunque posteriores, los cánticos espirituales y los blues) y la música europea de los siglos XVIII y XIX (himnos, marchas, valses, cuadrillas y otras músicas de baile, de teatro ligero, y de óperas italianas).
Entre los elementos negros de la música popular que han contribuido al jazz se incluyen la música de banjo de los minstrel shows (derivados de la música de banjo de los esclavos); los ritmos sincopados de influencia negra procedentes de la música latinoamericana (que se oía en la ciudades sureñas de Estados Unidos), los estilos de pianola de los músicos de las tabernas del Medio Oeste, y las marchas e himnos tocados por las bandas de metales de negros a finales del siglo XIX.
Los antecedentes del Jazz son la música folk y la música popular, pero estos tres tipos de música son claramente distinguibles y no deben confundirse unos con otros.
La mayor parte de la música primitiva de jazz se interpretaba en pequeñas bandas de marcha o la tocaban pianistas solistas. Aparte del ragtime y las marchas, el repertorio incluía himnos, espirituales y blues. Las bandas tocaban esta música, modificándola mediante síncopas y aceleraciones, en los picnics, bodas, desfiles y funerales. Era típico que las bandas tocasen endechas de camino a los funerales, y marchas alegres al volver. Si bien el blues y el ragtime surgieron con independencia del jazz y continuaron coexistiendo con él, influyeron en el estilo y las formas del jazz, y sirvieron de vehículo importante para la improvisación jazzística.
EVOLUCÓN Y ETAPAS
Jazz de Nueva Orleans
- Epoca
Inicio del siglo XX hasta la decada de 1920
- Lugar
Nueva Orleans
- Caracteristicas
Exuberancia y el volumen son más importantes que la delicadeza. La improvisación se centraba en el sonido del conjunto.
- Instrumentos
La corneta o trompeta llevan el peso de la melodía, el clarinete toca contramelodías, el trombón interpreta sonidos ritmicos mientras que hace sonar las notas fundamentales de los acordes o una armonia simple. Detrás de este trio basico, la tuba o el contrabajo interpreten la linea del bajo y la bateria se encarga del ritmo.
- Músicos o bandas
Buddy Bolden parece ser el artífice de las primeras bandas del Jazz pero no existen grabaciones suyas.
The Original Dixieland Jazz era un grupo de músicos blancos que hicieron la primera grabación de una banda de Jazz en 1917 y dieron el nombre a este tipo de música.
Los New Orleans Rhythm King en 1922
La Creole Jazz Band en 1923, liderada por el cornetista King Oliver, en este grupo participaba el musico mas influente del Jazz de Nueva Orleans, el trompetista Louis Armstrong.
Jazz de Chicago y Nueva York
- Epoca
Decada de 1920
- Lugar
Chicago y Nueva York
- Caracteriticas
Es un estilo derivado del Jazz de Nueva Orleans, ya que muchos compositores vienen de allí, pero se acentua la actuación de los solistas. Los ritmos son mas tensos y la textura mas compleja.
- Instrumentos
Practicamente los mismos que en el Jazz de Nueva Orleans. Pero se añade el saxofón a la orquesta.
- Músicos o bandas
Jack Teagarden que tocaba el trombón
Eddie Condon que tocaba el banjo
Gene Krupa que tocaba la bateria
Beny Goodman que era clarinetista
Epoca del Swing
- Epoca
Décadas de 1930 y 1940
- Lugar
EE.UU. en general
- Caracteristicas
Hay uncambio en el ritmo que suavizaba los compases en dos tiempos del estilo Nueva Orleans utilizando un compás más fluido, de cuatro tiempos. Tambien se desarrolla el uso de estructuras melódicas cortas, llamadas riffs, con pautas de pregunta y respuesta. Utilizaban una forma de interpretar más flexible y estilizada
- Instrumentos
. Los instrumentos de viento intercambiaban los riffs de conjunto, e interactuaban con grandes dosis de ritmo con pausas para acomodarse a los extensos solos instrumentales. El saxofonista tenor tocaba sobre todo con una libertad rítmica de apariencia extraña durante las improvisaciones de los solistas de otras bandas.
- Músicos o bandas
Fletcher Henderson y su arreglista, Don Redman, contribuyeron a la introducción de las partituras escritas en la música de jazz
Duke Ellington compuso piezas de concierto, coloristas y experimentales, especialmente para instrumentos y músicos determinados porque eran mas complicadas
Otras figuras que hicieron escuela a finales de los años treinta fueron el trompetista Roy Eldridge, el guitarrista Charlie Christian, el baterista Kenny Clarke y el vibrafonista Lionel Hampton.
Epoca Bebop
- Epoca
Al terminar la Segunda Gerra Mundial en 1947
- Lugar
EE.UU.
- Caracteristicas
Seguía basándose en la improvisación sobre una progresión de acordes, pero sus tempos eran más rápidos, las frases más largas y complejas, y la gama emocional más amplia, hasta incluir sensaciones menos agradables que las habituales hasta entonces. Se añade vocalistas, danzas y comedia
- Instrumentos
Saxofón
Trompeta
Piano
Bateria
- Músicos o bandas
Parker con el saxofón, a cualquier velocidad y tonalidad. Creó bellas melodías relacionadas con los acordes subyacentes, pero de una manera muy elaborada. Poseía una variedad rítmica infinita
Dizzy Gillespie, trompetista colaborador de Parker, conocido por su formidable velocidad y registro, y por su sugestivo sentido armónico
Epoca Cool-Jazz
- Epoca
Finales de la deceda de 1940 y la decada de 1950
- Lugar
Costa Oeste
- Caracteristicas
El Cool-Jazz se basa en el Bebop pero es mas refinado
- Instrumentos
Los mismos que en el Bebop
- Músicos o bandas
Zoot Sims, saxofonista tenor
Stan Getz, saxofonista tenor
Gerry Mulligan, saxofonista barítono
Dave Brubeck, pianista
Paul Desmond, saxofonista
Epoca Hard-Jazz
- Epoca
Decada de 1950
- Lugar
Costa Oeste
- Caracteristicas
Se continua acrecentando la tradición mas caliente y estimulante del Bebop
- Instrumentos
No cambian
- Músicos o bandas
El trompetista Clifford Brown
El baterista Art Blakey
El saxofonista o saxo tenor Sonny Rollins, uno de los mayores talentos de su generación
Autor: Bufacon
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