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Compositores rusos parte 1 - Monografía



 
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Música clásica de Rusia. Escuela rusa. Nacionalismo. Modernismo. Postmodernismo. Rimsky-Korsakov. Borodin. Mussorgsky. Tchaikovsky. Rachmaninov



¿Qué es Música Clásica?



El término música clásica tiene muchos significados: música de la época clásica (período de Mozart, Beethoven, etc.); música ancestral china antes de las influencas del mundo occidental: o el sinónimo de música artística, en contraste con la popular o folklórica. Esta última es la que llamamos música clásica o música docta, que comprende todos los períodos de la música (desde la Edad Media) hasta nuestros dias y es en la cual enfocaremos nuestro trabajo.

Breve Historia de la Música Clásica



Hemos visto como compositores a través de los años han escrito en una amplia variedad de estilos, y para una aún más grande variedad de instrumentos musicales y las combinaciones de ambos, para ser concretos. Pero, exactamente… ¿cómo esta montaña de material musical nació y cómo todo se relaciona? El siguiente resumen nos permite visualizar la hitoria de la música, desde sus comienzos con el canto Gregoriano, hasta hoy, nombrando también de paso, los más conocidos compositores de este tipo de música: la clásica o música docta.

Medieval (1150 - 1400)



Este es el primer período en que podemos conocer con exactitud la música de la época y cómo ésta sonaba. La primera música secular escrita se remonta a los trobadores del siglo XII, pero los manuscritos más notables emanaron de lugares de aprendizaje usualmente conectados de alguna forma con la iglesia, por ésto, inevitablemente la música medieval tiene bases religiosas.
Cantos Gregorianos y Melodías Planas, que son monofónicas (escritas como una línea musical) gradualmente se desarrollaron durante los siglo XI, XII y XIII hasta llegar al Organum (dos o tres lineas musicales moviéndose simultaneamente pero independientemente, por lo tanto casi innadvertidamente representando los inicios de la armonía musical). El Organum estaba, empero, inicialmente enmarcado por rígidas leyes de la melodía y el ritmo, que al final lo llevaron al muy renombrado período “Ars-Nova” (o arte nuevo) del siglo XIV, principalmente representado por compositores como De Vitry, Machaut y Landini.

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 - Renacimiento (1400 - 1600)


El siglo XV fue testigo de una variedad creciente de libertades, particularmente en términos de lo que realmente se percibía de la “armonía” y la “polyfonía” (las tendecias simultaneas de movimiento de dos o tres partes interrelacionadas entre sí). Los compositores (aunque apenas se les percibía como tales) estaban aún casi enteramente devotos a escribir música coral, y pocas composiciones instrumentales han sobrevivido para, comunmente, crear la impresión (en muchos caso muy certera) de ser trabajos vocales en desgracia, pero sin las palabras.
Hay, obviamente, una variedad textural y de contraste, por eso, por ejemplo, una parte particular de la composición era subrayada por una parte vocal cayendo momentaneamente, sólo volviendo en momentos especiales para dar énfasis. Los cuatro más influyentes compositores del siglo XV eran: Dunstable, Ockeghem, Despres and Dufay.
La segunda parte del siglo XVI fue testigo de los comienzos de la tradición que muchos amantes de la música asocia con la percpción comun de la música “clásica”. Gradualmente, los compositores de alejaron del sistema armónico, que había predominado por más de 300 años (y todavía suena arcaico para algunos oídos modernos), hacia la organización de susu trabajos en mayores y menores escalas, impartiendo así la fuerte sensación de que cada pieza tenía un tono central definitivo o “llave”.
Este fue también una época dorada para la composición coral, en un fluir sin fin de la capela (sin acompañamiento), misas, motetos, himnos, salmos y madrigales que florecieron desde los lápices de los maestros de la época. En adición, la música instrumental nació como una sóla por primera vez, especialemte la música de teclado en formas de fantasías, variaciones y bailes movidos. Los compositores de notación particular incluyen a Dowland, Tallis, Byrd, Gibbons, Frescobaldi, Palestrina, Victoria, Lassus, Lobo, Cardoso and Gesualdo.


- Barroco (1600 - 1750)



Durante el período Barroco, los logros obtenidos duraron 300 años después de expresión musical: la idea de la orquesta moderna nacía, en conjunto con la Opera (incluyendo la overtura, preludios, aria, recitativo y coros), el concierto, la sonata,  etc. La delgada familia de las cuedas de violas del Renacimiento, gradualmente se conviertieron en violines más gruesos, violas y chelos, el arpa fue inventada, e importantes avances se hicieron en todos los grupos instrumentales.

Hasta el 1700, los viejos modos musicales se mostraban de vez en cuando al “colorear” ciertas lineas melódicas o progresiones vocales, pero desde el principio del siglo XVIII la moderna armónica basada en escalas altas y bajas se usaba en toda Europa. La música coral ya no dominaba, y a medida que los compositores cada vez escribían más trabajos instrumentales idiomáticos para semblanzas de creciente color y variedad, la llamada música “clásica” (en oposición con popular) gradualmente se hizo camino en la sociedad, siendo tocada al aire libre, en fiestas y funciones especiales, o como espectáculos en formas de ópera. En un nivel puramente doméstico, todas las damas de buen estatus tendrían a instrumento para tocar, y a las horas de comida las grandes y ricas mansiones contrataban músicos para tocar los que popularmente se llamaba “tafelmusik” (o música de mesa) en Alemania, entre los cuales Telemann fue quizás el compositor más famoso.

De los muchos compositores del siglo XVII que pasaron por esta explosión de la música docta, los siguientes fueron increíbles: Monteverdi, Corelli, Alessandro Scarlatti, Schutz, Buxtehude, Purcell y Lully. Aún, los compositores más populares de este período, aquellos que parecen definir por sus mismos nombres el verdadero sonido de la música barroca en su mayor colorido y sofisticación son: Johann Sebastian Bach, Handel, Telemann, Rameau, François Couperin, Domenico Scarlatti, y Vivaldi, todos ellos estubieron en su máxima expresión creativa durante la primera mitad del siglo XVIII.

- Clásico (1750 - 1830)



La era Barroca, fue testigo de la creación de un número de géneros musicales que mantendrían una pauta en la composición en años aún por venir, es más, fue el período clásico quien vió la introdución de una forma musical que ha dominado la composición instrumental hasta la actualidad: la sonata. Con ella vino el desarrollo del concierto moderno,  de la sinfonía, del trio y cuarteto a un nuevo nivel de estructuración y refinamiento expresivo. Si la música del Barroco es notable for su estructura intrínse, entonces el período Clásico se caracteriza por una casi obsesión por la claridad estructural.
La semillas de la era Clásica fueron plantadas por un npumero de compositores cuyos nombres ahora están largamente olvidados como Schobert y Honnauer (ambos alemanes que trabajaron en París), como también por nombres históricamente más respetados, incluyendo Gluck, Boccherini y los últimos tres hijos de Johann Sebastian Bach: Carl Phillip Emmanuel, Wilhelm Friedmann y Johann Christian (el llamado ‘Londres’ Bach). Ellos fueron representantes de un período que es variadamente describido como rococó, implicando un alejamiento gradual del artificio del Alto Barroco, el más tarde estilo novelezco basado en simetría y sensibilidad, que vino a dominar la música en la segunda mitad del siglo XVIII mediante dos compositores  de significancia extraordinaria: Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart.

- Primer Romántico (1830 - 1860)



A medida que la época clásica llegaba a su total desarrollo, se veía crecientemente claro (especialmente con los últimos trabajos de Beethoven y Schubert) que la cantidad y la intensidad de los compositores expresionistas  que buscaban alcanzar ir más allá de lo clásicamente designado orquesta/piano, podrían posiblemente lograr. El siguiente período en la historia de la música entonces, encontró compositores tratando de balancear la expresividad y la formalidad de la música con una serie de aproximaciones que pudieron dejar a los compositores de cualquier época anterior disgustados. A medida que el “mapa” musical se habría, con escuelas nacionalistas comenzando a surgir, fue la búsqueda por originalidad e individulidad de expresión que comenzó aquí, y que luego sería una obsesión sobre-manejada en el siglo XX.
La era Romántica fue la edad dorada para el virtuoso, dónde la más dificultosa música sería performada con una facilidad increíble, y el tema más innocuo en composición sería desarrollado en gran escala para el disfrute de la aduladora audiencia. El rango emocional de la música durante este período fue aumentado, como lo fue su vocabulario armónico y el rango y número de instrumentos que eran considerandos para ser tocados. La música comunmente cuenta con un “programa” adjunto a ella, algunas veces de una naturaleza desvanecedora o trágica, ocasionalmente representando tal fenómeno natural como rios o caballos al galope. Los siguientes cien años encontrarían compositores acuñando con todo su corazón los ideales del romanticismo, o en alguna forma reaccionando en contra de ellos.
De los compositores del Romántico Temprano, dos nacionalistas merecen una mención especial, el ruso Glinka y el bohemio Smetana. De todas formas, los seis líderes de esta época fueron: Berlioz, Chopin, Mendelssohn, Schumann, Liszt y Verdi.


- Segundo Romántico  (c.1860 - c.1920)



Con las excepciones honorables de Brahms y Bruckner, los compositores de este período compartían la tendencia general hacia dejar su inspiración fluir naturalmente, libremente, a menudo marcando sus composiciones más en términos de contenido emocional y continuidad dramática que el crecimiento orgánico estructural. Esta fue una era alumbrada por la extraordinaria aparición rápidamente de las escuelas nacionalistas, y la supremacía operaria de Verdi y Wagner. El eventual término del Romanticismo vino con la fragmentación del estilo básico, los compositores pertenecientes a escuelas de composición, cada una de ellas con estilos que estuvieron de moda sólo por un corto período de tiempo.
Es un período muy rico en  nombres famosos de compositores, por ésto hemos decidido nombrar sólo los que nos conciernen a nosotras: los rusos.

Rusia


De todos los países que lograron reconocimiento internacional de composición durante el siglo XIX, ninguno se hacerca a la extrordinaria aparición de talentos como Rusia en la segunda mitad del siglo. Desde 1860 en adelante una rama de atractivos e inspiradoras composiciones fluyeron de los lápices de la escuela de San Petersburgo que incluía nombres como Alexander Borodin (1833-1887), Mily Balakirev (1837-1910) compositor de “Islamey” y lider del grupo conocido como ‘Los Cinco’, Nikolay Rimsky-Korsakov (1844-1908) el compositor de Sheherazade, y Modest Mussorgsky (1839-1881) famoso por “Cuadros en una exhibición” y “Noche en Monte Calvo”.
Pre-eminente, fue el moscovita Peter Tchaikovsky (1840-1893), posiblemente el más popular de los compositores románticos y responsable por tan amadas obras de arte como los balets “El Lago de los Cisnes”, “Cascanueces” y “La Bella Durmiente”, también como por sus overturas de 1812 y de Romeo y Julieta. La tradición de San Petersburgo fue luego principalmente sostenida por Alexander Glazunov (1865-1936), siguiendo la herencia de Tchaikovsky:  Alexander Scriabin (1872-1915) en sus primeros años, y en particularel último de los grandes románticos, Sergey Rachmaninov (1873-1943).

- Los Años de la Post Guerra (1920 hasta el presente)



El período desde la Primera Guerra Mundial es sin dudas en más alocado de todos, a medida que los compositores se separaron en varias y aparentemente contradictorias direcciones opuestas. Típico del dilema de los años entre las guerras, por ejmeplo, son los austríacos, Webern y Lehar, el primero estaba experimentando con grandes compresiones y formas avanzadas llamadas “estructura en serie”, mientras simultáneamente Lehar estaba aún trabajadno en un estilo de pequeña ópereta que no parecía fuera de lugar medio siglo después.
Tan diversoso son los estilos adoptados a lo largo del siglo XX que sólo por experimentación los escuchas podemos descubrir por nosotros mismos si ciertos compositores son a nuestro gusto particular o no.

MÚSICA DOCTA RUSA



Introducción


Ya que los instrumentos musicales estaba prohíbidos en los servicios religiosos Ortodoxos, la música rusa y consequentemente la opera estubieron retrasadas en su desarrollo como formas de arte hasta tiempos más recientes. Típicamente, los coros rusos cantaban sin acompañamiento excepto por el ocasional sonido de un tambor. La música vocal secular no se desarrolló hasta los 1800s. Desde entonces las operas rusas, las sinfonías, las composiciones instrumentales, y canciones artísticas en general, han florecido. La mayoría se basa en patrones melódicos y rítmicos de la música folklórica rusa y temas nacionalistas. Los últimos fueron particularmente demarcados durante el período Soviético.
El instrumento folklórico más ancestral era un tipo de zítara, el “gusli. Otros instrumentos de cuerda tradicionales son: la domra, gudok, y la balaika. Este último, triagular, con tres cuerdas , con un corto cuello y muy popular durante los 1800s en los salones de ciudad como en el campo. Los instrumentos de viento incluían la dudka y el suirel (ambos como flauta).
La música rusa maduró en 1836 con “Una Vida para el Czar” de Mikhail Glinka, luego llamada ‘Ivan Susanin’. Glinka tambien produjo un cuento de hadas musical basado en el poema de Pushkin ‘Ruslan and Lyudmila’ (1842), pero las operas de Glinka’s contienen muchos ejemplos de estilo italiano.
La escuela rusa nacionalista fue fundada por Modest Musorgski con la producción de la ópera ‘Boris Godunov’ (1869). Musorgski era uno del grupo que luego los críticos llamaron “Los Cinco” . Este grupo incluía a: Mili Balakirev, Nikolai Rimski-Korsakov, Aleksandr Borodin, y Cesar Cui. Balakirev se destacó por su música clásica de influencia floklórica. Rimski-Korsakov desarrolló  el orientalismo a su perfección con sus óperas de cuentos de adas y en la brillante suite sinfónica ‘Sheherazade’. Borodin siguió los mismos pasos en su ópera ‘Principe Igor’. Cui compuso formas perqueñas.
No es miembro de “Los Cinco”, pero el compositor ruso más famaso es Peter Ilich Tchaikovsky, quien hizo la bien conocida “Overtura de 1812″, y muchos otros trabajos, incluyendo sinfonías, poemas simfónicos, operas, balets, conciertos, y piezas para piano. Indiscutiblemente ruso, con influencia Tchaikovscoviana, es el liricismo melancólico perpetuado por en la música de Sergei Rachmaninoff, el último de los compositores romásnticos rusos.
Compositores famosos rusos del siglo XX son: Igor Stravinsky, Sergei Prokofiev, Nikolai Miaskovsky, Nikolai Medtner, Aleksandr Scriabin y Dimitri Shostakovich. Stravinsky, empero, vivió en Francia y en los Estados Unidos en la mayor parte de su vida “creativa”. Prokofiev dejó Rusia en 1918 después de conducir su primera actuación en su ya conocido “Sinfonía Clásica”. No volvió ha quedarse en Rusia hasta 1932. Shostakovich compuso 15 sinfonías y dos óperas, alguna de las cuales recibieron una fuerte crítica por no seguir la linea del realismo socialista.

La Escuela Rusa



- Primer periodo



Después de Pedro el Grande, todo el “arte erúdito”, “oficial”, estaba confiado a los extranjeros, italianos, alemanes y algunas veces franceses.
Esta xenofilia no concernía solamente a la música, sino también a las demás artes y al conjunto de la vida cultural del país, ya que, en la época romántica, Alexandr Pushkin, el máximo poeta ruso, confesará: “La lengua de Europa (es decir el francés) me es más familiar que la nuestra”.

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El arte popular o de inspiración popular no tenía derecho de ciudadanía: es cierto que los señores disponían de capillas reclutadas entre sus siervos, que ejecutaban admirablemente los canto populares, pero se trataba de “amores culpables”: gustaban estos coros lo mismo que gustaba la música cíngara, como una diversión de poca categoría que no había que tomar en serio. Glinka debió de darse cuenta de ello cuando, después de haber hecho interpretar su primera ópera, Iván Susanín, en 1836, supo que se le reprochaba que “los cocheros no cantaban otra cosa en la calle……”.
Ciertamente, las guerras de Napoleón habían provocado un despertar del patriotismo, obligando a los rusos a volverse hacia el patrimonio nacional, y conduciendo a los propios extranjeros a utilizar temas folklóricos en sus composiciones; pero, según la expresión de un crítico de la época, se apresuraban a “mojar sus temas en una salsa a la moda italiana”. Ya que todavía no se le había ocurrido a nadie proclamar, como la hará más tarde Glinka: “Somos autores de arreglos al servicio del pueblo”, y la música rusa, en estas condiciones, tuvo muchas dificultades para sus títulos de nobleza.
Glinka es considerado generalmente como el padre de la música rusa.
En efecto, Glinka, con su Iván Susanin e incluso con Ruslán y Ludmila, sólo encontró verdaderos partidarios en algunos jóvenes y en la persona de Dargominski. Este último, por una parte, decidió también seguir el camino nacionalista trazado por Glinka; por otra, sin haberlo deseado expresamente, se convirtió en el polo de atracción, el confidente y el guía artístico de un grupo de audaces autodidactas compuesto por Balakirev, Cesar cui, Borodín, Musorgsky y Rimski-Korsakov: el célebre grupo de los “cinco”.
Glinka y Dargomijski han dominado el primer período de la escuela rusa, esencialmente colocada bajo el signo de una fórmula grata a Glinka: “Con los mismos lazos legítimos del matrimonio, quisiera poder unir el canto popular ruso con la vieja fuga de Occidente”. El segundo período será el del grupo de los “Cinco” y de Tchaikovsky.

- Segundo Período



Los jóvenes rusos de 1860 se encuentran entre diversos fuegos. Por una parte existe el eterno conflicto, entre los “eslavófilos” y los “occidentalista”.
Unos están ligados al genio ruso, a la cultura autóctona; desconfían de las importaciones occidentales, que no responden a los aspectos del “alma eslava”, y juzgan que el patrimonio nacional, en todos los campos, es lo suficientemente rico para bastarse a sí mismo.
“Los occidentales”, apelan al deseo de civilización universal, a las tradiciones de Pedro el Grande y a su “ventana abierta sobre Europa”, y pretenden considerar a Rusia como un país de Europa occidental. Este conflicto aparecerá también en la música rusa.
Otra fuente de conflictos es la inquietud moral, social y política que reina en los senos de la joven generación. La Revolución francesa primero, la revuelta de los decabristas seguidamente han producido sus frutos: reina un espíritu liberal cada vez más intenso que terminará, el 19 de febrero de 1861, la abolición de la servidumbre. Muchos pequeños propietarios se arruinan de la noche a la mañana; se abre un abismo entre los “absolutistas” y los ” liberales”, que contribuye a incrementar las inquietudes de la juventud; algunos (como Dostoievski y Musorgski) prevén ya cierto trastornos singularmente profundos.
Finalmente, una “pregunta maldita” atormenta al ruso de 1860: la de la utilidad práctica y social de su propia existencia; no se trata de vivir para los placeres de la vida, sino de servir, a fin de no encontrarse entre la categoría de los “hombres en número excesivo”, de los Oblómov. “El hombre es un animal sociable, y no podría ser otra cosa” declara Musorgski: debe, pues, tratar de vivir en sociedad, de hacer de la sociedad el sólo objeto constante de todas sus preocupaciones. Salir de su concha y perfeccionarse para la mayor gloria de la suma humana, tal es el objetivo de una juventud que, antes de haber leído a Tolstói, se apasiona por Proudhon y por una novela “filantrópica” de Chernisheveski: ¿Qué Hacer?…
En resumen, idealistas y “materialistas populistas” se oponen, y este otro conflicto se reflejará en la literatura, en el arte, en la música…

Situación Musical



No era brillante, si juzgamos por el testimonio de Antón Rubinstein, músico cortesano y no sospechosos de parcialidad: “La ópera rusa tenía entonces, y tuvo todavía durante bastante tiempo, muy mala prensa. Yo escribí mis óperas en italiano y en alemán precisamente porque el teatro ruso era refractario a la ópera y porque la elite de la sociedad no tenía ninguna cultura musical. Había muchos aficionados cuyos juicios sobre la música eran totalmente estrechos y falsos. No se pedía a las artes, y particularmente a la música, más que cosas capaces de adular el gusto por la trivialidad. Las melodías de las obras que estaban de moda, de Piccini, Rossini, Bellini y Tutti quanti, pasaban por modelos incomparables de gracia, de belleza, de profundidad. Se era incapaz de comprender otras bellezas que las melodías simples y fáciles de esas obras. No quería reconocer a la música una misión seria…”
No había conservatorio en Rusia, por falta de “clientela”: a los nobles les repugnaba transformarse en “historiadores”, y, en cuanto a los demás… nadie se preocupaba de ellos. Aparte de que, para adquirir un mínimo de conocimientos teóricos, había que ir a estudiar a Europa, como Glinka. Por la fuerza de las cosas, los jóvenes rusos a los que atraía la composición tenían que ser autodidactas, y éste fue el caso de Dargomijski, el primero de los “grandes empíricos” rusos, precursor de tantos otros, empezando por los miembros del grupo de los “Cinco”.

Dos Clanes Rivales



Por una coincidencia singular, durante el mismo año 1862 fueron fundados el grupo de los “Cinco” y el primer conservatorio ruso, el de San Petersburgo, dirigido por Antón Rubinstein.
Desde el principio, la enseñanza que se practicaba en este conservatorio provocó una autentica revuelta por parte de los “nacionalista eslavofilos”. De todos modos, no dejaban de tener razón. Ciertamente era difícil recomendar otros manuales que los tratados de Marx o de Bellermann, pero la enseñanza, en sí, podía tener en cuenta la existencia de una escuela rusa. Ahora bien, la composición estaba confiada a Zaremba, un alemán rusificado pero que seguía siendo alemán de pies a cabeza, una especie de predicador capaz de inflamar a sus alumnos, pero muy mediocre como pedagogo. Además, para Zaremba, la historia de la música terminaba con Mendelsshon: Schumann ya no existía, y en cuanto a Glinka y a los demás rusos, no eran otra cosa que “salvajes”. Al hacerse campeón de esta escuela, Antón Rubinstein fundó toda una red de conservatorios, empezando por el de Moscú, cuya dirección confió a su hermano Nikolái, gran pianista. Tchaikoski fue uno de los primeros productos del conservatorio de San Petesburgo, antes de convertirse en profesor del de Moscú.
Frente a estos “académicos” se erigía el grupo dinámico de los autodidactas, conducidos por Balakirev y por Vladimir Stásov. Éste había tenido la idea de bautizarlo como “El poderoso grupito”; los del Conservatorio trataban desdeñosamente de “vocingleros” a sus miembros.

- Tercer Periodo



Precediendo la aparición de Stravinski y Prokófiev, este periodo debe ser considerado como una síntesis.
Los “Cinco” y Tchaicovsky acaban de imponer la existencia de una joven escuela musical rusa. Terminada la época de las batallas espectaculares, con todo lo que pudo haber comportado de excesivo por parte de los Balakirev, los Musorgski, los Stásov, “exhaustivos” íntegros e integrales, románticos en la vida más todavía que en su música. El fanatismo no tiene ya salida, pues, antes de embarcarse en nuevas corrientes las mismas que serán descubiertas por Stravinski. Prokófiev-, conviene hacer una pausa y consolidar las posiciones adquiridas. Todo un grupo de jóvenes se esforzará en demostrar que la música rusa puede existir como “música simplemente”. No se trata ya de los autodidactas apasionados, sino de profesionales serios formados en el conservatorio de San Petersburgo o de Moscú, sirviendo la amistad de Rimski-Korsakov y de Tchaivkosky como lazo de unión entre las dos escuelas.
Cada una de ellas conserva su personalidad. Los moscovitas, alumnos de Tchaivskosky y de Serguei Taneiev, son más “occidentales” en sus gustos, y, lo quieran o no, sufren la influencia del romanticismo retrasado de sus maestros. Los petersburgeses, formados bajo la dirección de Rimski- Korsakov y de Liádoy, conservan un fondo nacionalista y folclórico, aman lo fantástico en música. Dos músicos representan perfectamente y encarnan estas dos escuelas: del lado petersburgués, Alexandr Glazunov, que condujo la empresa de los “Cinco” al culto del clasicismo; frente a él, Alexandr Scriabin, que, después de haber admirado a Chopin, descubre los poemas sinfónicos de tendencias filosófica de Richard Strauss y quiere sublimar sus partituras hasta el punto de hacerles expresar un mensaje teosófico.
Estos dos, el prudente y el innovador, aparecen como los campeones de una escuela donde- bastante arbitrariamente, como siempre que se produce a una clasificación- podrían reunirse, por una parte, Liádov, Grecháninov, Nikolái Cherepnín, Soloviev; y por la otra parte (del lado moscovita), Tanéiev, Arenski, Rachmáninov, Medtner, Kalínnikov, Liápunov, los Conus, Vasilenko…

Nacionalistas Rusos



En rusia, la música nacionalista comenzó con Mikhail Glinka, quien es recordado por la opera ‘Una Vida Para el Czar’. Glinka y Aleksandr Dargomyzhski inspiraron a un grupo de compositores a juntarse y más tarde ser conocidos como “Los Cinco” para crear música basada en la cultura rusa. La ópera de Dargomyzhski “El Convidado de Piedra” fue como una biblia para la nueva escuela.
De los cinco compositores, Cesar Cui y Mili Balakirev-los únicos músicos profesionales del grupo-son poco conocidos hoy. Un tercero, Aleksandr Borodin, es recordado fugazmente por su poema orquestal “En las Estepas de Asia Central” y por “Bailes Polovtsian” de su ópera ‘Principe Igor’.
El cuarto compositor, quien fue el que más se hacercó a crear una verdera música de origen ruso, fue Modest Musorgski. Ritmos floklóricos y escalas inusuales de música de la iglesia ortodoxa rusa caracterizan sus piezas. Sus trabajos incluyen una pieza para orquesta titulada “Noche en Monte Calvo”, y “Cuadros en una Exhibición”, un set de dos piezas de piano que fueron más tarde arregladas para orquesta por el compositor impresionista francés Maurice Ravel.
El quinto miembro del grupo, Nikolai Rimski-Korsakov, escribió composiciones dramáticas de fuerza rítmica y color orquestral vívido. El es recordado por su ópera “El Gallo De Oro” y su suite orquestal “Scheherazade”. En su poderosa overtura “Gran Pascua Rusa” el uso temas de la iglesia rusa.
Peter Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que usaban una brillante tono y color. Su sexta sinfonía (”Pathetique”) es muy conocida, y realizó, también la música de tres famosos balets: “El Cascanueces”, “La Bella Durmiente” y “El Lago de los Cisnes”. La overtura de 1812, la “Marcha Slava”, Y “Capricho Italiano” han sido programadas tan a menudo que se consideran “Caballos de Guerra”

COMPOSITORES NACIONALISTAS RUSOS



- Glinka, Mikhail Ivanovich (1804 - 1857)


Glinka es comunmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Sus influencias en Balakirev, quien se autodenominó lider del grupo de cinco compositores nacionalistas, fueron considerables. De niño tomó lecciones de piano de un pianista irlandés, John Field, pero en aquel entonces su relación con la música se mantubo puramente a nivel amateur, hasta su visita a Italia y en 1833 a Berlin, las cuales permitieron que concentrara sus estudios y consecuentemente un grado mayor de seguridad en sus composiciones, las cuales ganaron una real atención en su país como en en extranjero.
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Sus operas rusas ofrecían una síntesis de la manera de operar del occidente pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, con una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico. Glinka murió en Berlin en 1857.

Operas



Su primera opera “Una Vida para el Tzar” fue muy bien recibida en su debut en 1836. Su segunda opera completa “Ruslan y Lyudmila” con un libreto de Pushkin, porvó menor acceptación en su debut en San Petersburgo en 1842. La overturas para estas operas fueron extraordinarias.

Música Orquestal



Viajar fuera de su país inspiró su influencia española de la Jota Aragonesa, un “Capricho Brillante” también conocida como “La Primera Overtura Española”. La segunda serie se expandió desde “Recuerdos de Castilla” hasta “Souvenir d’une nuit d’été à Madrid” (Memorias de una Noche de Verano en Madrid). “Kamarinskaya” escrita en Varsovia, usa material temático slavo.


- Dargomyzhski, Alexandr (1813 - 1969)


Muy ligado a los principios de su predecesor, Dargomyzhski se distinguió de él por sus gustps en materia de música extranjera. Glinka prefería loa alemanes y los italianos y sus dioses eran Beethoven y Bellini; Dargomyzhski se inclinaba gustosamente hacia los franceses , hiacoa Auber, Halévy e incluso Adolphe Adam, por lo menos en sus comienzos. Después de emprender la composición de una gran opera, “Esmeralda”, según “Nuestra Señora de París”, apareció grandilocuente “Triunfo de Baco”; después aparece de pronto una obra maestra lírica “Rusalka” (1853), de Pushkin; y finalmente el notable “Convidado de Piedra”, su ópera póstuma terminada por Rimsky-Korsakov, en la que se encuantran numerosísimas páginas que se anticipan a Boris Gudonov.
Por lo demás, Mosorgski consideraba a Dargomyzhski como el verdadero padre del realismo en música: “quiero la verdad; quiero que el sonido exprese directamente la palabra”, preconizaba Dargomyzhski. Ha aplicado este principio en melodías realistas como “La Lombriz”, “El Viejo Cabo”, “El Consejero Titular”, cuya influencia sobre las de Musorgski fue inmenza (quizás inclusolas han suscitado); y en “Rusalka” y sobre todo en “El Convidado de Piedra”.
Glinka componía su música antes que las palabras, obligando al libretista a plegarse a sus ritmos verbales. En cambio, Dargomyzski es “Rusalka” y En “El Convidado de Piedra”, no ha cambiado ni una coma del texto de Pushkin. De este modo, paralelamente a los de Glinka, a trazado un tercer camino a la música rusa: el de la melodía motivada por el significado. En los rusos, ha inspirado “El Casamiento”, “Boris Godunov” y “Jovanchina” de Musorgski, “Mozart” y “Salieri” de Rimsky Korsakov, “Mavra” de Stravinsky, todas las operas de Prokoviev, desde “El Jugador” hasta “La Historia de un Hombre Auténtico”, “Katherina Izmailova” de Shostakoviv. En el extranjero, se encuentran prolongaciones en la obra de Debussy, Ravel y en la mayor parte de los músicos de la nueva escuela (romántica).

EL GRUPO “LOS CINCO”



- Cui, César (1835 - 1918)



César Cui, miembro del grupo nacionalista ruso de compositores “los Cinco”, hijo de un oficial francés que se quedó en Rusia después de la retirada de Napoleón en 1812. En común con otros compositores de su generación e historia, tenía una carrera a parte de la música, en su caso era profesor de la Academia de Ingeniería Militar, experto en fortificaciones. Esto no lo detubo en sus ambisiosas actividades como compositor y una importante carrera como crítico, generalmente muy duro e intolerable en sus judgamentos. Se le conoce por sus piezas para piano cortas y coloridas.
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Operas



Su primera opera “Un Prisionero en el Caucaso”, con un libreto basado en Pushkin. Particularmente saltisfactoria para sus amigos y seguidores fue la opera “William Ratciff”, basada en una obra de Heine. Otras operas siguieron, con mucho éxito, seguidas por cuatro operas para niños.

Música Orquestal



En sus cuatro suites orquestales, Cui demuestra sus habilidades en el manejo de pequeñas y lindas piezas, en contraste con acusaciones en la época de no tener habilidades en la orquestación. La Suite No. 4 ofrece areglos orquestales para piezas de piano escritas originalemnte por su patrona Belga, la Condesa de Mercy-Argenteau. La Suite para violín y orquesta hace una inusual adición al repertorio del violín solista.

Música de Cámara



Su música de cámara incluye varias piezas cortas para violín y piano, o chelo y piano, notablemente dos sets de Miniaturas par violín y piano, como también quartetos de tres cuerdas. En su música de piano, Cui muestra nuevamente sus cualidades como miniaturista, exhibiendo una gran cantidad de piezas cortas muy atractivas.

Música Coral y Vocal



Cui dice que el estaba predispuesto, en general, en sus operas, evitar temas de caracter ruso, ya que él era de hecho mitad francés y mitad lituano. Sus canciones, por supuesto, si tratan temas rusos e incluyen reseñas de Pushkin, Nekrasov y A.K. Tolstoy, mientras que en su música coral está en general en una escala más mabisiosa.

- Balakirev, Mily Alexeyevich (1837 - 1910)



Balakirev fue el lider del grupo “Los Cinco”, un grupo de compositores nacionalistas rusos durante la segunda mitad del siglo XIX, que incluye a César Cui, Mussorgsky, Borodin y Rimsky-Korsakov.
Su propio éxito como compositor fue eminente, largamente debido a sus exentricidades de caracter y su tendencia a hacer enemigos por su puro entusiamo devastador e intolerancia de otras ideas. Él estaba particularmente opuesto a lo establecido en conservatorios de música en Rusia por los hermanos Rubinstein y fue acusado por ésto mismo de ser un amateur.

Música de Piano


El trabajo más conocido de Balakiev hoy es su fantasía oriental “Islamey”
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- Borodin, Alexander Porfir’yevich (1833 - 1887)


Los Cinco, tan renombrados por los críticos rusos y el escritor Vladimir Stasov,  fueron los principales compositores nacionalistas del siglo XIX en Rusia, siguiendo el ejemplo de Glinka, su precursor. Borodin, como otros colegas músicos, tambipen tubo otra profesión aparte de la música, ganado distinción como profesor de química. Su trabajo fue limitado a la cantidad de atención que pudo dedicarle a la composición y a la hora de su muerte dejó un número de composiciones sin terminar, que luego fueron terminadas por su amigo Rimsky-Korsakov y otros.

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Operas


La opera más famosa de Borodin “Principe Igor” fue terminada por Rimsky-Korsakov y Glazunov. Incluye las famosas danzas corales “Las Danzas Polovtsianas” con las cuales el Príncipe cautivo es entretenido por Khan Konchak.


Música Orquestal



El mejorejemplo de la música orquestal de Borodin es “En Las Estepas de Asia Central”, una vívida evocación de una región exótica. La segunda de sus tres sinfonías, la última sin terminar, lo ocupó intermitentemente por siete años, y es un trabajo muy atractivo y muy ruso. Las tres forman una importante adición al repertorio sinfónico nacionalista.


- Mussorgsky, Modest Petrovich (1839 - 1881)



Mussorgsky fue otro compositor nacionalista ruso miembro del grupo “Los Cinco”, toscamente agrupado bajo la influencia del poco fiable Balakirev. Inicialmente un oficial de la armada, intermitentemente, un servidor civil, Mussorgsky dejó mucho sin terminar a la hora de morir en 1881, de todas maneras su influencia en  compositores como Janácek fue considerable. Rimsky-Korsakov, un músico que había adquirdo una técnica convencional de orquestación y composición, revisó y completó un número de los trabajos de Mussorgsky, versiones que no parecen inferiores a las originales e innovadoras composiciones que Mussorgsky concivió.
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Operas



La más grande de las creaciones de Mussorgsky’s fue la opera “Boris Godunov”, basada en Pushkin y Karamazin, con un tema histórico ruso. El completo la primera versión en 1869 y la segunda en los 1870, pero la versión de Rimsky-Korsakov fue la que fue performada fuera de Rusia.  Otras operas de Mussorgsky incluyen: “Khovanshchina”, completada y orquestada por Rimsky-Korsakov. Una versión más nueva de Shostakovich restaura la mayor parte del texto original. La opera “Hada Sorochintsy”, después “Gogol”, terminada por Lyadov y otros, incluyen la recordada orquestación “Noche en Monte Calvo”.


Música Orquestal



La suite de Mussorgsky de 1874 “Cuadros en una Exhibición”, un tributo a la versatilidad del artista Hartman, ha demostrado ser la más popular de los trabajos de todos los compositores, ya sea en sus versiones originales para piano y coloridas versiones orquestales, de las cuales la versión de Maurice Ravel ha sido la más aceptada por la audiencia. Mussorgsky representa en la música una colección variada de interpretaciones de arte, desde el “Mercado de Limones” y las “Catacumbas” hasta la final “Gran Perta de Kiev”, un monumento en la traducción a música de un diseño arquitectónico para un arco triunfal.

Música Vocal



Mussorgsky escribió un número de trabajos y canciones, mucho de las últimas de interés considerable, incluyendo el grupo “La Enfermería”. ” la Canción de la Mosca”, basada en un trabajo de Goethe, es una favorita.

- Rimsky-Korsakov, Nikolay Andreyevich (1844 - 1908)



Nació el 18 de marzo de 1844, en Tkhvin, al este San Peterburgo. En 1856 entró la academia naval en San Peterburgo, siguiendo la tradición de su familia, y se graduó de ella en 1862. Tomó lecciones de piano y se hizo amigo de Mili Balakirev, quien lo convenció de estudiar música y componer. Durante un viaje de tres años, Rimski-Korsakov compuso la mayor parte de su “Primera Sinfonía”, la cual fue tocada a su regreso en 1865, cuando él tenía sólo 21 años. La pieza fue bien recibida como la primera gran sinfonía de un compositor ruso. En 1871 fue nombrado profesor de composición y orquestación en el Conservatorio de San Petersburgo, aunque él no se consideraba calificado para aquel trabajo, por lo que no abandonó su carrera naval hasta 1873.
Uno de los cinco, el grupo líder de los compositores rusos del siglo XIX. El fue un maestro orquestador y se dedicó a editar y suavisar algunas de las aparentes asperezas de los trabajos de sus amigos compositores, completando y revisando trabajos como la opera “Príncipe Igor” de Borodin y la mayoría de la supuesta escritura “no pareja” de Mussorsky.
Fue respetado como profesor, sus pupilos incluyeron, entre otros al joven Igor Stravinsky. Generalmente es conocido por sus composiciones orquestales, Rimsky-Korsakov escribió canciones y música coral, música de cámara y trabajos para piano. Su libro de orquestaciones a sido muy, y no siempre bien, utilizado.  También trabajó como conductor.

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Operas



De las quince operas de este autor, debemos mencionar “La Soltera Nieves” “La Criada de Pskov” (1868-72), ‘Noche de Mayo’ (1880), ‘Sadko’ (1898), y  “El Gallo Dorado” (1909).

Orquestal



Sus piezas más famosas son: ‘Overtura en Temas Rusos’ (1866), ‘Capriccio espagnol’ (1887), ‘Scheherazade’ (1888), y ‘Czar Saltan’ (1903), que incluye la muy nombrada ‘Vuelo de la Abeja’.

Otros



‘Canción de India’, de ‘Sadko’, se convirtió en música bailable popular en Rusia. El también escribió música de cámara, vocal y para piano.


OTROS NACIONALISTAS



- Tchaikovsky, Pyotr Il’yich (1840 - 1893)


Tchaikovsky nació el 7 de mayo de 1840, en Votkinsk en las Montañas Urales. Empezó a tomar lecciones de piano a los siete años. Cuando la familia se trasladó a San Petersburgo en 1850, el joven Tchaikovsky se inscribió en la Escuela de Leyes. En 1859 se graduó y se conviertió en un clérigo en el Ministerio de Justicia. Tchaikovsky fue uno de los primeros estudiantes del conservatorio de San Petersburgo establecido por Anton Rubinstein, una vez completados sus estudios allí se conviertió en uno de los profesores en una institución similar establecida en Moscú por el hermano de Anton Rubinstein, Nikolay. Un hombre tímido, expresaba sus emociones en la música. El pudo retirarse como profesor cuando una millonaria viuda, Nadezhda von Meck, le ofreció ayuda finaciera la cual continuó por la mayor parte de su vida, aunque, en acuerdo con las condiciones originales de la pensión, ellos nunca se conocieron. Tchaikovsky era un hombre de defidencia neurótica, su inseguridad se acrecentó con su homosexualidad. Ahora se sugiere que un escándalo causó que él tomara su propia vida en tiempos en que se encontraba en la cúspide de sus poderes como compositor. Su música es enteramente rusa en caracter, pero, aunque fue influenciador de Balakirev y sus ideales llegó a “Los Cinco”, perteneció a una escuela algo más internacional de composición apoyado por los conservatorios que el mismo Balakirev criticó tanto. Tchaikovsky murió el 6 de Noviembre de 1893.

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Operas



Dos, más que otras, de la operas de Tchaikovsky se han mantenido a nivel de reportorio internacional: “Eugene Onegin”, basada en un trabajo de Pushkin, fue escrita en 1877, el año en que el compositor trató (desastrosamente) casarse. El volvió a Pushkin en 1890 con su poderosa opera “La reina de Espadas”.

Balets



Tchaikovsky, un maestro en las formas de miniaturas necesarias para el balet, triunfó en subir la calidad de música dada por un arte que se había desarrollado técnicamente en  el siglo XIX en rusia bajo la supervisión de un coreográfo francés llamado Marius Petipa. El primero de los balets de Tchaikovsky “El lago de los Cisnes”, fue completado en 1876, seguido en 1889 por “La Bella Durmiente”. Y su último balet, basado en la historia de Hoffmann, fue el “El Cascanuecesr”, por primera vez presentada en San Petersburgo en Diciembre de1892.

Música Orquestal



Sinfonías



Tchaikovsky escribió seis sinfonías. La primera, conocida como “Sueños de Invierno”, fue terminada en su primera versión en 1866 pero luego revisada. La segunda, llamada “Pequeño Ruso” fue compuesta en 1872 pero revisada ocho años después. De la otras sinfonías, la quinta, con su tema motor y su movimiento de vals en el lugar de un scherzo fue escrita en 1888, mientras que la última sinfonía completada, conocida como “Pathétique”, fue por primera vez performada bajo la dirección de Tchaikovsky’s poco antes de su muerte en 1893.


Overturas de Fantasía y Otros



Su primera Overtura de Fantasía basado en Shakespeare “Romeo y Julieta”, fue escrita en 1869 y luego revisada dos veces. “Bunya” es una fantasía sinfónica inspirada en “La Tempestad” y la última de las overturas  Shakespeareanas,  Hamlet, fue escrita en 1888. “Francesca da Rimini” translada a términos musicales el amor ilícito de Francesca y Paolo, como sale en la obra de Dante “Infierno y Manfred”, escrita en 1885. La “Voyevoda” es descrita como la balada sinfónica y se basa en un poema de Mickiewicz. Otras, composiciones orquestales de menor escala incluyen “Serenada” para cuerdas, la italiana popular “Capricho”, menos conocida, cuatro suites orquestales. Tchaikovsky pensó poco de su “Overtura de 1812″, con su patriótica celebración de victoria contra Napoleon setenta años antes, mientras que la “Marcha Slava” tenía un propósito patriotico corriente. “Recuerdo de Florencia”, originalmente un sexteto de cuerdas, fue completada en 1892 en su versión final.

Concertos



El primero de Tchaikovsky’s de los conciertos para tres pianos se ha convertido en el más popular de todos los conciertos románticos de piano. El segundo, es menos conocido, mientras que el tercero, comenzado en 1893, consiste de un movimiento único en Allegro de concierto. El concierto de Tchaikovsky para Violín, fue rechazado por los líderes violinistas de rusia por ser encontrado muy dificultoso. Para chelo solista, Tchaikovsky escribió las “Variaciones Rococo” y el “Pezzo Crapichoso”. Piezas más cortas para violín y orquesta incluyen: “Serenata Melancólica” y el “Valse-scherzo”. “Souvenir d’un lieu cher”, escrita como expresión de gratitud por la hospitalidad de “Madame von Meck”, era originalmente para violín y piano.

Música de Cámara



Esta música en Tchaikovsky incluye tres cuartetos para cuerdas. El lento movimiento de la primera de las tres provó ser muy popular en su forma original como en un arreglo por el compositor para chelo y orquesta de cuerdas. “El Andante Fúnebre” del trecer quarteto existe en un areglo del compositor para violín y piano.

Música de Piano



Tchaikovsky proveyó con una gran catidad de música para piano, particularmente en la forma de cortas piezas adecuadas para un mercado amateur lucrativo. Colecciones de piezas publicadas por el compositor incluyen: “Las Estaciones”, un set de doce piezas, una para cada mes, y un número de sets de piezas de distintas dificultad.

Vocal Music



Tchaikovsky escribió una cantidad considerable de canciones y duetos.





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